Comentar un disco de jazz-rock en la Argentina del bicentenario resulta complicado. Sobretodo porque las referencias obligadas deben rastrearse bien atrás (obviando algunos pasajes spinettianos) no bastarían dos décadas para intentar traer a la luz alguna referencia digerible sin caer en esfuerzos mentales para ejercitar la memoria auditiva.

Por César Pucheta.

Machi Rufino, Lito Epumer y Cristian Judurcha se juntaron hace un tiempo a zapar junto y fueron recorriendo un trecho que deriva en este primer disco que hace reverberar los sentidos dormidos de los amantes de un género que se encuentra sólo si se camina, se busca y se pone empeño.

“Power Trío” es un nombre atinado. No por el mandato natural que nos obligaría a comprender que estamos en frente de algo así como una reunión cumbre de grandes gigantes dormidos (no por decisión propia, claro está) sino porque a lo largo de sus nueve tracks el disco se asienta en pulsos concretos que tienen que ver mucho más con el rock que con el jazz. Los arreglos de Epumer, la exquisitez de Judurcha y el virtuosismo solapado de Machi (en “Durazno Sangrando” todo se hace explícito) redondean un trabajo con aires bluseros que vuelven a convencer al escucha de que es posible balancearse en las tan devastadas aguas del virtuosismo instrumental.

Las versiones finales de “Cold Turkey” con Pedro Aznar y de “Stratus” de Billy Cobham, Ricardo Mollo que se grabaron en vivo en La Trastienda sólo invitan a agudizar los conceptos que se arrojan soberbiamente a lo largo de la travesía en el estudio. Sobran los motivos para festejar el primer álbum de este power trío argento que, posiblemente, este predestinado a colmar salas semanalmente sin el beneficio de generar la repercusión mediática que demanda la idiotez.

LUPA- Por: César Puchetta.

Algunos debates interesantes se han diseminado en torno a algunos discos editados recientemente. El esperado regreso de Divididos a los estudios fue motivo de numerosas críticas fundadas sólo en el pensamiento mágico que indicaba que el trío más potente del rock argentino debía revolucionar la escena a partir de una propuesta novedosa que debía partir de un trabajo de ocho años en silencio.

El regreso del Páez clásico despertó a los obsecuentes de la renovación permanente y fue causa suficiente para desacreditar un disco que vuelve a poner a Fito como un referente obligado de una forma de encarar el trabajo compositivo. Si esto fuera cierto, debemos estar en condiciones de desacreditar a Calamaro, a Charly, a Spinetta, a León Gieco y a tantos otros que, amparados en un estilo particular que los hace únicos caminan sobre los resortes en los que ellos mismos han impuestos los márgenes. Es decir, su estilo.

Divididos no tenía la obligación de modificar su estilo. Los años en silencio no obligan a un músico o a una banda a cambiar su forma de pararse ante la compocisión y la ejecución de sus obras. Divididos vuelve a pararse en la vereda de lo crudo, de la potencia y de las jerarquías individuales combinadas. Amapola del 66 es un gran trabajo que actualiza el lugar que el trío ocupa en la escena argentina. A su vez, es un disco que a lo largo de sus trece pistas experimenta avances compositivos (en lo lírico y en lo musical) funkea, roquea y vuelve a coquetear con la música tradicional argentina. Combo clásico, con matices novedosos. ¿Esta mal?. Exigir a un grupo que modifique su actitud y su estilo disco a disco, año a año es trabajar con la misma lógica que aquellos que denuncian “transas” cada vez que una banda adquiere notoriedad o realiza una modificación en su relación con su propia obra. 

El regreso de Fito Paez corre la misma suerte. Aunque a Fito se lo maltrata más. Fue duramente criticado en su incursión al cine, despertó críticas feroces en su revisión acústica del cancionero roquero argentino (Moda y Pueblo), cientos de detractores se quejaron de la canción excesiva de “El mundo cabe en una canción”, ni hablar de su sólo piano “Rodolfo“. La frase que indica que Paez se repite desde “El amor después del amor” se ha convertido en una falsa verdad absoluta que se repite una y otra vez. La realidad es un poco más compleja y la progresión en la búsqueda que el artista trabaja a lo largo de su propio trabajo no puede desconocerse. Salvo que las escuchas se centren en lo básico y no tengan en cuenta los matices que van dando identidad propia a cada trabajo. El 90% de los artistas lucha años intentando encontrar su propia identidad, buscando aquellos matices que le permita perpetuarse en el inconciente colectivo con un sonido propio. Cuando lo encuentra, en eso se asienta su propia identidad como artista.

En fin, son sólo algunas puntas para el debate. El problema no es aquí si los músicos se repiten o no. La discusión debería centrarse en un análisis que tenga en cuenta las trayectorias, las coyunturas y los paisajes históricos sobre los que los músicos conmueven a la sociedad.

foto F. Páez tal cual aparece aquí.

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